Lincoln

La Madeja del Gato (rumbo al Oscar)
Madeja #203
Por Christopher Vergara

Finalmente el pasado 18 de enero se estrenó en nuestro país Lincoln, la producción de DreamWorks Studios, dirigida por Steven Spielberg y distribuida por Touchstone/Disney en EU y por 20th Century Fox en el resto del mundo. 

Lincoln se sitúa en los meses críticos de 1865 cuando se propuso a votación la treceava enmienda a la Constitución de los Estados Unidos de América (aquella que prohibe cualquier forma de esclavitud o trabajos forzosos) a la vez que bebe de la biografía Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln de Doris Kearns Goodwin. 

El filme se sitúa principalmente en enero de 1865 y nos muestra como Abrahan Lincoln trabajo por impulsar la aprobación en la Cámara de Representantes de esta enmienda, poco después de haber sido reelecto para un segundo periodo al frente de la Casa Blanca. 

Parte central de esta votación es la obtención de veinte votos necesarios por parte del lado demócrata para conseguir las dos terceras partes necesarias para aprobar una enmienda de tal calado. Lincoln aprovecha el fin de la legislatura para buscar entre 64 demócratas no reelectos los votos necesarios. A la vez que debe lidiar con la mejor manera de mantener la unidad de su partido y evitar alguna deserción o voto no favorable. 

Esto además sucede mientras Lincoln debe lidiar con los problemas que le representa un Guerra Civil que cumple ya 4 años, que ha sido motivo de más de 600,000 muertes, que ha dejado a los Estados Unidos con 11 entidades fuera de la Unión y que amenazaba con no parar nunca. Pero a la vez, negociar la paz implicaba obstáculos probablemente no superables para la abolición de la esclavitud en la cual creía y luchaba.

Por eso Lincoln considera relevante impulsar la enmienda, pues sabe que un probable fin de la guerra y la reinserción de esos estados a la Unión hará que los tribunales locales echen abajo la Proclamación de Emancipación de 1863 que declaró la liberación de los esclavos en los estados que aun permitían la esclavitud en razón de su necesidad de incorporarlos a la guerra. 

Lincoln es ante todo una producción discreta que apuesta más por la grandilocuencia de sus actuaciones que por otra cosa. Es muy destacable la solidez y discreción (que no por ello fallida) dirección de Spielberg, que logra el que probablemente sea su proyecto más íntimo y personal y a la vez donde su sello como director se sienta más medido. 

No hay esos grandes actos de fantasía, grandilocuencia o emotividad que caracterizan el cine del director. Spielberg más bien nos guía hacia una pequeña ventanita donde nos colocamos y espiamos ese mundo al que se nos permite entrar. Que sin prisas nos cuenta como se crea uno de los actos más relevantes de la historia norteamericana del siglo XIX.

Es sumamente admirable la dedicación que se toma la producción para cuidar todos los detalles, el diseño de producción es perfecto, al recrear con magnífica precisión y belleza el Washington de esos años, tan impulsado hacia el futuro como tan fiel a su pasado rural de apenas años atrás, el diseño de vestuario tan detallado y tan elaborado, resaltando en especial los vestidos de las mujeres. 

Pero como dije, más allá de eso, el filme descansa fuertemente en sus actuaciones, es imposible no venerar la magnífica actuación de Daniel Day-Lewis que nació para ser Abraham Lincoln, logrando transmitir una casi permanente calma solemne, raras veces rota, que casi raya en la abstracción o en la timidez pero que logra explotar o despertar cuando Lincoln necesita tomar acciones más enérgicas o usar su talento político para alcanzar sus objetivos. 

Muy rescatables además son las actuaciones de Sally Field como Mary Todd Lincoln y de Tommy Lee Jones como Thaddeus Stevens. La primera como la esposa de Lincoln, completamente diferente a su esposo, al ser el lado energético de la relación pero además el lado que muestra toda la gama de emociones que Abraham no se permitía, mostrando la ira, el enojo, la inseguridad la desesperación e incluso la esquizofrenía también debía sudar la pareja. 

Y por otro lado esta Jones, en lo que probablemente sea el papel de su carrera en años como el radical republicano que lucha con toda su fuerza por la abolición de la esclavitud, blanco fácil de los ataques de los demócratas y quien tiene al final que hacer el sacrificio de su vida, en pos de un sueño mayor. Logrando finalmente su cometido. 

Lincoln es una cinta que merece tomarse su tiempo, a su larga duración (poco más de dos horas y media) se suma toda una serie de datos que se deben tener como antecedentes históricos pues hay muchas situaciones que si no se conocen de las lecciones de historia, lo dejarán a uno con cara de duda. También creo que merece una revisitada posterior si tenemos interés en profundizar en estos temas. Creo que sólo así se podrá apreciar toda la belleza de esta producción que muestra como hacer un cine magnífico que a la vez entretenga y brinde información clave sobre la historia de el país que lidera muchas de las cuestiones a nivel global. 

Si quieren buscar una cinta que los desgarre emocionalmente o los lleve a lugares no conocidos esta es una mala elección, pues esa no es la fuerza de Lincoln. Si buscan un intenso duelo de actuaciones que reviva un relevante periodo de la historia americana mediante a la vez que muestra la habilidad e inteligencia de un animal político en la cima de su carrera, esta es su mejor elección. 

Felicidades señor Spielberg. Creo que tenemos un ganador. 

Y en la próxima madeja: Municipios endeudados, ¿qué hacemos con ellos?.

Yolanda Vargas Dulché, Contadora de Historias

La Madeja del Gato (historieto-dramática)
Madeja #202
Por Christopher Vergara

Desde el pasado 24 de noviembre se exhibe en el Museo de Arte Popular (Revillavigedo 31, en contraesquina con el Teatro Metropolitán), la exposición Yolanda Vargas Dulché, Contadora de Historias. Exposición homenaje a la mítica creadora de Memín Pinguín y Lágrimas, Risas y Amor, auspiciada tanto por Editorial Vid como por Televisa.

La exposición nos recibe en su patio con un diorama circular del cual será mejor hablar al final pues es como cierre. Sólo cabe destacar que ahí veremos a una sonriente Yolanda Vargas Dulché, en un lujoso escritorio con una maquina de escribir medio destruida, de la que en la exposición conoceremos su historia.

Una vez llegado a la sala de la exposición, nos recibe una replica de la oficina de doña Yolanda con una valiosa y útil linea del tiempo. Ahí se nos cuenta el nacimiento de doña Yolanda allá por 1919, su posterior carrera musical a mediados de los 40's en la mítica XEW con su hermana Elba como el dueto Rubia y Morena, así como su posterior ingreso a la Compañía Periodística de Garcia Valseca, donde empezó a escribir historietas para el Pepín, donde nacería en una primera etapa Memín Pinguín. 

Esto acompañado de un bello diorama con un piano, un clásico micrófono de la XEW, unas letras brillantes que simulan la entrada del viejo edificio de Ayuntamiento y un radio que reproduce de manera consistente el viejo tono de la radiodifusora seguido del clásico: X-E-W, la Voz de América Latina desde México. 

De ahí damos a la época donde conoció al amor de su vida, Guillermo de la Parra Loya, con quien fundaría la mítica EDAR, Editorial Argumento, momento ideal, donde se nos cuentan con unos bonitos dioramas la seis historias más populares de la autora: María Isabel, Rubí, Gabriel y Gabriela, Ladronzuela, El Pecado de Oyuki así como el clásico Memín Pinguín. 

Además se aprovecha para narrarnos un poco del proceso creativo, conocemos guiones originales de doña Yolanda, arte original de Antonio Gutiérrez y como finalmente se veía en el impreso,amén de conocer el éxito que tuvo Editorial Argumento (fundada en 1955 y transformada en 1983 en Grupo Editorial Vid) con tantísimas publicaciones que tuvo, así como su éxito internacional, no sólo en América Latina y España (dónde llegó a través de Editorial Cinco) sino con ediciones en países como Portugal, Italia o Filipinas. 

Posteriormente conocemos el paso de estas historias a los medios audiovisuales, triunfando en la televisión con las versiones en telenovela de El Pecado de Oyuki, Rubí, Alondra (versión en televisión de Casandra), Gabriel y Gabriela o Ladronzuela. Para finalizar con el paso al cine, siendo el mayor éxito de doña Yolanda adaptada al cine, lo que probablemente fuera su historia favorita de Lágrimas y Risas, 'María Isabel' en dos míticas cintas de 1968 y 1970 con la gloriosa Silvia Pinal. 

Finalmente en el patio tenemos el diorama que comenté al principio, ahí podemos tomarnos fotos dos escenarios que simulan la lujosa casa de Gabriel y Gabriela o la pobre vecindad de Ladronzuela, así como diversos posters de películas y series del tipo 'ponga su cabeza ahí'. 

Es con esta sencilla pero muy bonita exposición, llena de dioramas, de color, de escenografías y de montajes muy bonitos que conocemos la vida de Yolanda Vargas Dulché, quien sin lugar a dudas sea probablemente la escritora más leída de América Latina y me atrevería a decir que la escritora de cómics/historietas más famosa y leída de todo el mundo. 

El valor de esta exposición radica en que es un irrepetible acto de reinvidicación. La obra de Yolanda, si bien popular y famosa, siempre ha sido vilipendiada por todos aquellos que con prejuicios la han atacado: los fanáticos del cómic por no ser más que 'historias rosas y aburridas', los intelectuales de la literatura por ser 'literatura corriente para el proletariado', las feministas por 'presentar modelos arcaicos y deformativos de la mujer', etc. Podemos hallar miles de argumentos como este. 

Y cada uno es hablado desde la ignorancia y el desconocimiento de la obra, quienes hemos leído la obra doña Yolanda conocemos el talento y maestría de una autora para crear personajes y situaciones entrañables, con personajes que luchan y trabajan duro para lograr sus objetivos, con personajes que sufren las consecuencias de sus actos buenos o malos, con historias que no reniegan de la dureza de la vida sea en la forma de la pobreza, de la maldad, de la soledad, del desamor, del infortunio. 

Como no enamorarse de los trazos del maestro Gutiérrez, de la seductora y destructiva belleza de Rubí, de la inocencia y bondad de María Isabel, o de la sumisión y hambre de progreso de Oyuki, o el arte del maestro Sixto Valencia, la picardía de Memín y su Mamacita Chula, de Ernestillo, Ricardo y Carlos.

Si, la obra de doña Yolanda no es perfecta, su código moral probablemente este oxidado, su visión del bien y el mal no permite los grises, Memín Pinguin tiene un tono que ahora es políticamente incorrecto, pero todo esto son defectos muy menores ante la magnificencia de esta obra. 

 La obra de Yolanda Vargas Dulché es probablemente el mejor retrato sociológico que se tenga del México de la década de los 60's a los 80's. Es el mejor retrato de una sociedad en los albores de su construcción, donde la pobreza gestaba mujeres como María Isabel, honradas y trabajadoras pero también como Rubí, ambiciosas y destructivas. Donde las clases sociales no importaban cuando eres niños, y un niño rico de familia ausente, un hijo de un pobre carpintero alcohólico, el hijo de una artista de cabaret y el niño de una mujer negra se pueden convertir en los mejores amigos. 

Es una lastima que la obra de una de las escritoras más prolíficas y exitosas de la historia contemporánea sea vilipendiada por existir en un medio que no es considerado 'serio' por el circulo rojo, y que ni siquiera entre el medio del cómic sea valorado y rescatado. 

Enhorabuena al Museo de Arte Popular por esta iniciativa que reinvindica a la Reina de la Historieta Mexicana. Y ustedes conozcan y lean la obra de doña Yolanda, no se van a arrepentir.

El Último Hilo: No todo es miel sobre hojuelas. Aunque todo esto es muy encomiable, no deja de notarse que una de las intenciones de esta exposición es relanzar los productos de la autora que Editorial Vid  (ahora en manos de Manelick de la Parra Vargas, su hijo) lleva regenteando durante décadas. 

Y es triste no por el hecho de lanzar el producto (es maravilloso tener siempre disponible estas obras), sino porque después de casi llevar a Editorial Vid a la quiebra, perder todas las licencias que tuvo y que lo convirtieron en practicamente un mega monopolio editorial del cómic y la historieta, tenga que ser una vez más la obra de sus padres la que salve a la empresa de la quiebra. 

Y no sé, 2012 no es 1964. Si bien Lágrimas, Risas y Amor y Memín Pinguín siguen siendo un negocio (aun a sus carísimos 15 pesos por ejemplar), dudo que sean lo suficientemente fuertes para sacar a toda una empresa, marchita y lo que se quiera de la quiebra. Pero Yolanda, aún desde el cielo, es poderosa.

Y en la próxima madeja: ¿Y qué hacemos con los estados y municipios endeudados?

Balance de Taquilla 2012

La Madeja del Gato
Madeja #201
Por Christopher Vergara

Damas y caballeros, niños y niñas, señoras y señores, perros y gatos, con ustedes, el tradicional pero no por ello menos bonito BALANCE DE 2012. Believe or not, pero 2012 fue un año donde la asistencia de los cines mejoró, así se recaudaron 10,834 millones de dólares, el nivel de recaudación más alto de todos los tiempos. 

A nivel de asistencia (que es lo importante) se vendieron 1,364 millones de boletos, recuperándose de la tendencia a la baja registrada durante 2010 y 2011 aunque sin superar los 1,412 millones de boletos vendidos en 2009. Sin embargo el record de asistencia (de la era moderna, aclarando) lo sigue ostentando 2002 con más de 1,575 millones de boletos vendidos.Y ahora, si, vamos con el desglose de los Big Six, viendo los triunfadores, los muertos, los vivos, y los que luchan por romper este dominio. 

Sony / Columbia:  Tras un espantoso 2010, a Sony le tomó tiempo recuperarse para finalmente lograrlo este 2012. Se llevan la preciada corona del 2010, presea que obtuvo por última vez en 2006, al recaudar 1,792 millones de dólares, o el 16.6% del ciento del mercado. Lanzando 19 filmes aunque 25 le reportaron ingresos. 

Los niños bonitos sin duda son Skyfall (290 millones + 726 internacionales) y The Amazing Spider-Man (262 millones + 490 internacionales) aunque Men In Black III reportó 179 millones, Hotel Transilvanya fue un éxito inesperado con sus 145 millones, 21 Jump Street (138), The Vow (128) también hicieron trabajo decoroso. Total Recall, Ghost Rider y That's My Boy sin duda son los chascos feos del año. En especial ojala Sony deje de necear con el personaje de Marvel y Adam Sandler replantee que quiere de su vida. 

Para 2013 Sony nos tiene preparadas hartas secuelas como Growns Up 2 (la comedia de Sandler y Kevin James), Los Pitufos 2, Lluvia de Hamburguesas 2, el remake de Carrie, el concierto en 3D de One Direction, la nueva comedia de Seth Rogen (This Is The End), el nuevo filme de Roland Emmerich White House Down (oh si, ese mal sano placer de explotar Washington), y algunos más. 

Warner Bros.: El estudio del conejo repite su segunda posición del año pasado aunque con menores números (casi 100 millones menos), así obtuvo 1,665 millones de dólares y fue el estudio que más filmes lanzó con casi 24. 

El niño bonito sin duda fue Batman y es que The Dark Knight Rises con 448 millones le representa casi una cuarta parte de sus ingresos totales, cerca estuvo The Hobbit con 228 millones que aunque no superó los números de la trilogía original sin duda fue un negocio rentable. 

En tercer lugar quedaron (uno de mis filmes favoritos del año, y vaya que fueron niños bonitos) Magic Mike, filme de strippers basado parcialmente en la vida de Chaninng Tatum con 113 millones. Argo fue un gran éxito para nuestro querido Ben Affleck, Journey 2 fue el único otro filme arriba de los 100 millones y ese apenas salvo las tablas.

Para chascos sin duda tenemos Furia de Titanes 2 (habíase visto tal horror), Dark Shadows decepcionó a todos en Warner, Rock of Ages no salvó su honor, Cloud Atlas fue un chascote. A nivel de éxitos moderados tenemos a la comedia política The Campaign, a Zac Efron con The Lucky One. 

Para 2013 Warner tiene en cartel, la tercera parte de Hangover, el nuevo remake de Superman con Man of Steel, el 'esperado' regreso del Saladito del Toro en Pacific Rim, la secuela de 300 en Rise of an Empire, la segunda parte de El Hobbit, el remake de The Great Gatsby, así como el remake en la línea 'oscura-realista' de Jack, The Giant Slayer. 

Disney:  El estudio del ratón sube una posición respecto al 2011 y sube sus números en casi 300 millones. Con apenas 13 estrenos fue el estudio con menos filmes en cartelera. 

Obviamente los niños de sus ojos fueron The Avengers con sus 623 millones de dólares, y sus 888 millones a nivel internacional (para un bonito 1.5 mil millones). En segundo lugar sacaron la casta los estudios de animación, Brave de Pixar recolectó 237 millones y Wreck-It Ralph de Disney Animation lleva 175. Ambos sin igualar sus joyas de 2010 pero con números mejores a sus estrenos del 2011. 

La alianza con el señor Spielberg no ha dado el número de películas que se esperaban y parece desmoronarse (ya le quitaron a Disney la distribución en Europa, algunas las asociaron con Fox y no van ni la mitad de las 30 películas firmadas) sin embargo de los dos estrenos de esa casa uno fue un éxito en  las manos de Lincoln con más de 134 millones, mientras People Like Us se hundió. 

El GRAN fiasco del año (aquí si de todos) fue John Carter la excesiva producción de Andrew Stanton que hasta provocó que me corrieran al estimado Rich Ross. Frankenweenie también quedó a deber mucho, y Monsters Inc. en 3D se estrelló. En éxitos moderados me felicitan a La Extraña Vida de Timothy Green y los reestrenos de La Bella y la Bestia y Buscando a Nemo. 

Para 2013 las cosas pintan aun más fuertes para Disney pues vienen varios peces gordos: en marzo llega Oz: The Great and Powerful, especie de precuela de El Mago de Oz dirigida por Sam Raimi, en mayo llegará Iron Man 3 secuela que cierra la trilogía del personaje de Robert Downey Jr., en junio llega Monsters University precuela de la popular película de 2001 basada en monstruos ahora en la universidad, en julio llega The Lone Ranger, nueva producción de Jerry Bruckheimer que provocó agrias disputas en costos y si no es un éxito me parece será el fin de tan larga alianza (y aquí esta Johnny Deep). 

En septiembre llega Planes, spin-off de Cars basado aviones parlantes de estudio que produce los filmes de Tinkerbell, en septiembre el reestreno de La Sirenita, en noviembre la secuela de Thor y Frozen, nueva producción animada basada en La Reina de las Nieves y en diciembre Saving Mr. Banks, producción con Tom Hanks como Walt Disney que narra su odisea para conseguir los derechos filmicos de Mary Poppins y la agría relación con P.L. Travers. De DreamWorks sólo esta agendada The Delivery Man, comedia escrita y dirigida por Ken Scott. 

Universal: Vaya que les costó salir del hoyo en que llevaban pero el estudio que recién celebró sus cien años terminó en cuarto lugar con 1,323 millones y 16 estrenos. Ligeramente mejor que en 2012. 

El gran éxito del año fue el oso bonito Ted con sus 218 millones de dólares, seguido de El Lorax con 214 anotándose otro éxito para Illumination, el estudio de animación de Universal. Snow White and the Huntsman con 155 millones, Safe House con 123 sin duda fueron otros satisfactorios trabajos. 

The Bourne Legacy sin duda fue el chasco del año y aunque no se estrelló si quedó a deber, Battleship fue el GRAN FIASCO del año para Universal con apenas 60 millones costando más de 200. American Reunion demostró aquel viejo dicho de los tres mosqueteros diez años después, aunque en general se les quiere. 

Para 2013 Universal nos tiene preparados la sexta parte de su exitosa franquicia Fast Furious, la secuela del chasco de hace 4 años Kick Ass 2, Despícable 2 dispuesta a volver a arrasar, el reestreno en 3D de Jurassic Park. La mega aventura de sci-fi Oblivion con Tom Cruise, la tercera parte de la saga Riddick, y algunas más. 

20th Century Fox: El estudio del siglo pasado acumuló con sus 15 estrenos poco más de 1,000 millones de dólares, con ello obtuvo mejoró ligeramente su recaudación dejando el espantoso sexto lugar del año pasado. 

El mayor éxito del estudio fue la cuarta parte de Ice Age que con 161 millones demostró que la saga tiene sus fans pero no más allá. Taken 2 sigue con sus 138 millones como un buen y solido éxito para Liam Neeson, Prometehus con 126 millones sin duda quedó a deber. 

Fox no tuvo en realidad chascos pero tampoco un cartelera que tuviera grandes títulos, Life of Pi, This Means War, Abraham Lincoln: Vampire Hunter y Red Tails fueron fracasos muy moderados y The Three Stoges, Chronicle, Diary of a Wimpy Kid fueron éxitos también moderados. 

Para 2013 las cosas pintan algo mejor, el señor K y Satanás salieron del apuro logrando establecer un nuevo contrato de distribución con Fox lo que le permitirá a sus tres filmes animados (The Croods en marzo, Turbo en julio y Mr. Peabody and Sherman en noviembre), en julio llega The Wolverine secuela del spin-off del popular personaje canadiense, Fox lanza la secuela de Percy Jackson: Sea of Monsters (secuela que no me explicó aún). 

Antes de que se acabe el negocio llegan los reestrenos de los episodios II y III de Star Wars, la quinta parte de Die Hard, Epic nueva producción animada de Blu Sky Studios, The Internship nueva comedia de la dupla Owen Wilson y Vince Vaughn, y la aventura familiar Walking with Dinosaurs. 

Paramount: Si empieza a nevar fuerte cerca de su casa, comprendan que es la montaña de Paramount llorando. Aquí si fue ir del cielo al infierno, Paramount pasó del primer lugar en 2011 al sexto lugar en 2013. La perdida de Marvel y los chascos del señor K le quitaron las dos patas más gordas al estudio que con 14 estrenos apenas recaudó 914 millones. Ni la mitad de lo hecho hace un año. 

El filme más taquillero del año con 216 millones fue la tercera parte de Madagascar y aquí terminó el romance con el señor K, pues con apenas 96 millones Rise of the Guardianes fue una amarga despedida.El siguiente título fuerte fue Flight con apenas 91 millones, un éxito moderado apenas para Robert Zemeckis. The Dictator apenas salvó los muebles, el reestreno de Titanic fue un tímido éxito, Paranormal Activity 4 se hundió en la nada, y hasta Katy Perry quedó a deber. Tal fue el desastre que 154 millones de los 914 fueron de estrenos del 2012. 

Para 2013 las cosas pintan menos oscuras, tienen la secuela de G.I. Joe que aunque no fue el trancazo alguna dignidad deberá tener, esta la secuela de Star Trek que viene de ser un exitazo, el filme de acción World War Z que promete bastante, Hansel y Gretel haciéndola de cazadores de brujas, Pain and Gain capricho de Michael Bay para hacer Transformers, y las secuelas de Paranormal Activity 5 y Anchorman 2.

Los seis grandes suman el 68% de la taquilla total (que se eleva hasta 71 sumandole sus filiales indie). De los llamados minimajors Lionsgate, Summit y los Weinstein concentran 14%, los restantes 15 puntos se dividen en más de 30 pequeñas distribuidoras. 

Lionsgate tuvo 13 filmes en 2013 obviamente arrasando con The Hunger Games (408 millones), aunque Expendables 2 (85) y las dos películas de Tyler Perry (65 y 35) son otro ingreso sustancial. Para 2013 esperen tres producciones de Tyler Perry (una de ellas de Madea navideña) y la secuela de Hunger Games.

Summit acumuló 463 millones, la mayoría de la conclusión de la saga Crepúsculo (268) con Sinester (48 millones) y Step Up Revolution (35) cerrando el top 3. Para 2013 tienen un nuevo thriller de Louis Leterrier, y la secula de Red. 

Los Weinstein apenas hicieron 258 millones en un año flojo para ellos, fuera de los 68 millones de Django Unchained ingresados en 2012, 74 fueron de estrenos de 2011 y Lawless con 37 y Silver Lining Playbook con 28 fueron sus mejores títulos. Para 2013 esperen la quinta parte de Scary Movie, la secuela de Sin City, y los que se acumulen en festivales en el año. 

Nos vemos a mediados de 2013 con el balance de verano!.

Y en la próxima madeja: Homenaje a Yolanda Vargas Dulché. 

Mary Poppins México

La Madeja del Gato (todo es posible si lo quieres)
Madeja #200
Por Christopher Vergara

Finalmente uno de los proyectos más acariciados de la División Teatro de OCESA (debe haber estado al menos unos tres años entre planes) se estrenó el pasado 14 de noviembre en el Teatro 1 del Centro Cultural Telmex, Mary Poppins, 'El Mágico Musical de Broadway'. 

Como recordarán (y basta que vayan al archivo para recordarlo), en enero de 2012 se trajo a México el primer tour nacional estadounidense (que aquí concluyó su recorrido) como una manera de probar si el público mexicano tenía interés en una historia que aunque de las más famosas de la factoría Disney, nunca ha tenido especial entusiasmo en México. Al parecer el resultado fue positivo pues desde mediados del año pasado se iniciaron los castings y preparativos para el montaje del musical. 

Como saben, Mary Poppins es el musical producido por Disney Theatrical y Cameron Mackintosh (quien consiguió los derechos teatrales de manos de Pamela Travers, creadora del personaje que renegó de la versión de Disney hasta su muerte) y conjunta lo mejor de ambos mundos, pues bebe tanto de las historias originales de Travers como de la mítica producción filmica de 1964 de Walt Disney, que para mucho es una especie de testamento filmico para la industria. 

La historia es de todos conocida: Mary Poppins es una niñera que llega a una casa en Cherry Tree Lane en el Londrés de 1910 donde habitan los Banks, liderados por George Banks, un banquero de medio nivel, obsesionado con las reglas y el orden y que nunca presta atención a su familia, Winifred Banks, una ex-actriz que vive deprimida ante su imposibilidad de satisfacer a su marido que sólo lo considera una inútil (muy diferente a la alegre sufragista de la película) y Jane y Michael Banks, un par de niños traviesos y desatendidos que sólo causan problemas a cualquier niñera a la que contratan con tal de llamar la atención. 

Hasta que de las alturas desciende Mary Poppins, niñera casi perfecta que junto con sus entrañables amigos, como Bert, el buen deshollinador que te da la suerte al darle la mano, la Sra. Corry, dueña de la única tienda de conversaciones en todo Londrés, Neleo, la famosa estatua que extraña a su padre Neptuno, o la mismísima Reina Víctoria, logra unir a una familia que sin un cambio en el viento se hubiera desmoronado por completo. 

Mary Poppins es el testamento filmico de Walt Disney porque incorpora con maestría y sabiduría todos los elementos que hacen distinguible y perdurable a Disney más allá de su fundador, una historia cálida para toda la familia, música maravillosa y elocuente, un elenco que no tiene igual, y en especifico todos los mensajes que Walt siempre defendió: el poder de los sueños, el amor por la vida y las personas, la gratitud, la solidaridad, la ayuda interminable, la compasión, y de como todas esas cosas te llevan a creer en la magia invisible que existe en todo. 

Eso era Disney. Y eso existe en el teatro. Volver a hablar del libreto de Julian Fellowes y de las canciones tanto de Richard y Robert Sherman como de George Stiles y Anthony Drese sería repetir lo que dije hace un año. El libreto es perfecto, un balance magnífico de las dos fuentes de lo que bebe, reinventando algunas escenas para acomodar las canciones y dando una estructura y un mensaje muy fuerte a la historia. Los pequeños cambios que se hacen sólo dejan una historia mucho más solida y apreciable. 

Sin embargo lo que esta en el Centro Cultural Telmex va más allá de lo que esta en texto, le dota de toda la vida y energía que jamás se le pueda dar a este libreto. Le brinda toda la magia.

Cuando se estreno esta versión mexicana, muchas de las reseñas que leí iban encaminadas a señalar que esta versión era mejor pues era mucho más cálida y humana que la que vimos hace un año o la que esta en Broadway, lo que me llevó a pensar que tal vez era la barrera idiomática la que lograba el cambio, ya que el español es un lenguaje mucho más cálido que el inglés. 

Y no. Si bien no me atreveré a decir que es mejor a lo que vi hace un año, si señalaré que el montaje mexicano tiene no sólo un montaje y ejecución técnica impecable, tiene un elenco magnífico que le esta poniendo toda su energía y empeño en cada función logrando un montaje impresionante y mágico, pero lleno de mucha energía y luz especial. 

Bianca Marroquín nació para ser Mary Poppins. Es un ángel talentoso y hermosos que le presta su cuerpo a un ser de luz que sólo tiene por objetivo brillar. Borda una Mary deliciosa, llena de esa energía e ímpetu propia del personaje y que en sus pocos momentos íntimos muestra una humildad insuperable. 

Mauricio Salas es también perfecto para Bert. No sólo es físicamente el indicado, amén de muy atractivo, su personalidad es chispeante y extrovertida,  elocuente en todo momento reflejando a la personalidad a ese amigo especial con que el Mary cuenta para siempre lograr sus cometidos. Otro ángel que sólo busca vivir y hacer el bien. 

La obra no funcionaría sin el señor Banks, y aqui si Paco Morales se lleva todas las palmas. Logra fielmente representar a ese en principio hosco y seco personaje que gracias a Mary logra reconectarse con su pasado (yo soñaba con saber todo de las estrellas) y con ello cambiar su vida, recordando que el tiempo se llevará a su familia, que es mejor un buen hombre que una buena idea, y que el dinero vale por lo que haces con él. 

Majo Pérez no es la titular de la Sra. Banks (ella es la suplente de Catalina Farias), más sin embargo su trabajo es espectacular. Logra plasmar la dulzura y amor por sus hijos y esposo, pero también el dolor y la tristeza por la débil comunicación que existe en su familia. Ser Señora Banks es un número que en manos equivocadas se puede volver soporífero, cosa que aquí no sucede. Bravo Majo. 

Aminta Ireta y Oscar Aguilar (los Jane y Michael Banks de mi función) lo hicieron bastante bien, tienen aún algunos problemillas de dicción y les falta soltarse un poco más en sus papeles, pero en general lo hacen muy bien. Alma Cristal y Andrés Saenz como la sra. Brill y Robertson Ay, los empleados de la casa logran los mejores momentos de comedia y en Saenz sorprende su magnífica voz de tenor.

Laura Cortés con dos pequeños papeles se luce, como la terrible señora Andrews, la nana del señor Banks, luce sus grandes dotes operísticas pero en especial como la Dama de los Pajaros logra uno de los momentos más especiales de la obra.

Feed the Birds (Dales Pan), es una de las canciones más hermosas en toda la historia de Disney y en palabras de Richard Sherman, su escritor, era la favorita de Walt, es una sencilla pero conmovedora canción que habla sobre la generosidad y la compasión como guías de vida. Una canción que aunque en español es practicamente imposible de mantener en toda su belleza, logra llevarse de forma impecable al teatro y a la que Laura le brinda una luz especial.

Paloma Cordero como la excentrica señora Corry, Mariano Bucio como el ágil y esbelto Neleo, Natalia Saltiel como la despistada señora Lark y Sergio Carranza como el deschavetado almirante Broom, cierran un elenco perfecto al que se suma un fantástico ensamble de más de 14 talentosos actores. 

La adaptación de Erick Merino (que era lo que más me preocupaba en algún momento), resultó bastante afortunada. En las canciones de la película aunque no son copia exacta de el trabajo de Edmundo Santos (adaptador de la película) si se respeta su esencia (aunque el cambio de cometa a papalote en Let's Go Fly a Kite es imperdonable). Mientras que en las canciones nuevas se nota mucho más suelto y menos en conflicto con lo hecho anteriormente, en especial Anything Can Happen (Todo es Posible) resulta magníficamente adaptada, aunque Precision and Order (Las Reglas y el Orden) también brilla. 

A nivel técnico no hay muchas quejas, la escenografía (que es la misma que estuvo en el Auditorio Nacional al ser la de gira) es perfecta, funcional y hermosa, la biblia esta llevada con completa exactitud y eso de agradece, pues habla de una productora comprometida y entregada que no duda en invertir lo necesario en ofrecer un espectáculo de primera calidad. 

El vuelo final de Mary, sin duda nunca deja de ser impresionante, y el que sea un escenario más pequeño que el Auditorio hace que sea más entrañable y hermoso ver volar a Mary como forma de despedida. 

Mary Poppins tiene en general un mensaje imperdible, 'Todo es posible si lo quieres', un canto a nunca dejar de creer en los sueños, nunca dejar de luchar por ellos, y nunca perderse en lo superficial, sino realmente luchar a fondo por lo hermoso y valioso de la vida, que son las emociones y la energía positiva. 

Mary Poppins es un homenaje a la vida. Bravo Disney! Bravo OCESA! Bravo Elenco! Larga Vida a Mary Poppins. 

Los Últimos Hilos: Uno) Lo único es que si ya le hace falta una manita del gato al Centro Cultural Telmex, es encomiable la remodelación de los Cinemas Lumiere y su cambio a Cinemex pero si le hace falta un arreglo a las tiendas para que no se vean tan olvidadas. El teatro en general no tiene queja alguna, aunque siempre he pensado que quiza le haría falta algún elemento decorativo que no lo haga ver tan austero en su diseño. 

Dos) Esta amable columna llega así a su edición doscientos. Agradeciendo a sus lectores en estos casi cuatro años de existencia por su siempre atenta lectura. Nos seguiremos leyendo durante el 2013 y pues, por las trescienta!

Y en la próxima madeja: Exposición de Yolanda Vargas Dulché y algunas reflexiones sobre Editorial Vid.

El final de Cuando Toca La Campana

La Madeja del Gato (de fin de año y de campanas)
Madeja #199
Por Christopher Vergara

Tras que Disney Channel anunciará la renovación hacia una tercera temporada en pos de enfocarse en Violetta y en nuevos proyectos con su talento, hoy se transmitió lo que vendrá a ser el final de ese gran proyecto llamada Cuando Toca La Campana. 

Durante 70 capítulos (32 de la segunda temporada), Cuando Toca La Campana se convirtió en uno de los mejores sitcoms latinos que se realizan actualmente, es lo que probablemente sea la mejor versión de As The Bell Rings (tal vez sólo igualada por su original italiana) y aunque nunca se convirtió en el trancazo musical que la cadena esperaba sin duda hablamos de un sólido y divertido proyecto.

Cuando Toca La Campana nos contó la historia de 8 adolescentes de preparatoria que viven comparten sus sueños, aspiraciones, imaginaciones, temores, debrayes, y locuras. Que viven una amistad intensa llena de buenos momentos, de tristezas, todo ello con una magia muy especial, ese sabor y esa escuela que sólo Disney sabe transmitir a sus producciones. 

Así conocimos a DJ (un magnífico Jerry Velázquez) nuestro loco y chismoso bailarín que siempre estaba actualizado con su campana chismosa, a Barbi (una preciosa Mariana Magaña) siempre dispuesta a romper los ratos incómodos con su inocencia y ternura, a Miguel (Leonel Deluglio) siempre llenando de risa con sus inseguridades y poesías, a Nati (Stephie Camarena) siempre tan, tan, tan... hermosa, llena de arte e ideas, a Rodrigo (Julio Graham) siempre con sus presagios de mala suerte y de cosas terribles, a Lucía (Nicole Luis) con su moda y su glamour y esa aparente falta de preocupación de los demás. 

Esta temporada nos despedimos de Pablo (Jorge Blanco), extrañamos a Ana (Diana Santos) pero recibimos a Paul (Xabiani Ponce de León) que nos enamoró con su egocentrismo y desdén que se transformaron en una auténtica amistad y compañerismo y también de Jane (Delfina Varni) que nos alegraba con sus canciones y sus cerros de inglés mal dicho. 

Estos últimos capítulos fueron muy especiales, pues varias tramas cerraron sus nudos definitivos, Lucía y Miguel decidieron darse un tiempo para valorar si su falta de entendimiento y afinidades les permitirá sostener una relación, Naty finalmente se desenamoró de Paul al saber que este la quería pero nunca tuvo el valor de confesarselo, Barbi encontró su vocación de vida en la cocina a la vez que nos presentó a su sabia hermana Sofia (la misma Mariana en un rol completamente opuesto), Rodrigo finalmente hizo las paces con su viejo enemigo Ramiro (Santiago Stieben). 

Este último capítulo estuvo deliciosamente escrito, pues reveló de manera clara el objetivo y mensaje de la serie, y fue perfectamente ejecutado. La historia cuenta como Nati y DJ al hacer el recuento del final de año llegan a la conclusión de que otra vez terminaron el año sólos y tras un momento incómodo donde se revela su mutua atracción, hacen una promesa, 'si en quince años seguimos solteros, nos casamos'.

Eso da pie para la última imaginación, donde vemos la reunión de ex-alumnos quince años adelante, las vidas de todos han cambiado radicalmente, en caminos que nadie esperaba y de formas bastante locas. Nati llega a la preparatoria y encuentra a Lucía, quien ha dejado todo el glamour de lado para convertirse en una madre de 7 hijos (uno en gestación) que pese a no ser la chica glamourosa que era es muy feliz, también encontramos a Barbi quien tiene un exitoso programa en la televisión donde da sus recetas de cocina, Jane abandonó la vida de rockstar y es la directora de la escuela y ¿Naty?, no nos dice que fue de su vida. 

Luego vemos a DJ quien encuentra a Miguel, alejado de aquella imagen bohemia pues ahora es un aventurero profesional en los deportes extremos, Rodrigo quien tras sufrir la decepción amorosa de su vida con Barbi decidió que si bien todo iba a salir mal y sólo podría empeorar el debería disfrutar de eso, convirtiéndose en un éxito motivador y gurú de vida, mientras que Paul dejó a un lado el fútbol, se casó con Barbi, se convirtió en su manager y muestra haber ganado muchos kilitos. ¿Y DJ?. Tampoco nos dice que fue de su vida. 

Justo cuando la reunión esta a punto de terminar, DJ toma la palabra y (en una conmovedora y muy realista actuación de Gerardo Velázquez) confiesa que no hizo nada de lo que se podría esperar de su vida, no fue cantante, ni bailarín, ni reportero de chismes, porque no tuvo a su lado a la única persona que realmente lo entendía y le daba energía para hacerlo, que era Nati. Ella le confiesa lo mismo, a lo cual DJ le propone matrimonio. Y ella acepta. 

Ahí termina la imaginación, corte al presente, todo Nati y DJ se estan dando las manos para soltarselas y voltear a la ventana a la vez que llegan todos los demás chicos, en una señal de despedida para la temporada y la serie. 

Y que bonitos mensajes, el primero: Quien eres hoy, no defines quien eres mañana. Es decir, todo lo que te gusta, no te gusta, te hace feliz o infeliz hoy, no define toda tu vida. No hay momento definitivos que te cambien sin posibilidad de nuevos caminos, cada paso que das construye un camino, pero ese camino siempre puede tomar nuevos destinos, siempre puede llevar a lugares insospechados. No creas que lo que eres hoy, definirá como serás en quince años. Puedes incluso sorprenderte. 

Y dos, en ese mismo sentido, nunca permitas que el miedo o la pena, te impida decir las cosas que sientes. Porque es muy feo arrepentirte durante quince años, en los cuáles sólo vives en roles o situaciones que no ten gustan por miedo a ser honesto sobre las cosas o personas que te gustan. El clásico, nunca dejes de amar a nadie por miedo a el que dirán, tu sólo debes amar. 

Y aunque nunca lo veamos, yo se que DJ y Nati son una pareja feliz, que en quince años tendrán muchas aventuras que vivir. 

Gracias por estos dos años de alegrías chicos, se les va a extrañar. 

El Último Hilo: Y a todos nuestros escasos o abundantes lectores, muchas felicidades por estas fiestas que estamos celebrando. Que hayan tenido una feliz y grandiosa navidad, y que el 2013 tenga el doble de energía, vida y entusiasmo que el 2012. Saben que se les quiere. Aquí nos seguiremos leyendo. 

Y en la próxima madeja: Para celebrar la columna 200, Mary Poppins, el musical de México.

Two and a Half Men, temporada 10

La Madeja del Gato (y media)
Madeja #198
Por Christopher Vergara

Una temporada después de lo que significó la abrupta salida de Charlie Sheen y la intempestiva llegada de Ashton Kutcher a su elenco, la veterana serie Two and a Half Men (ya en su décimo año) se encuentra finalmente asentadose del torbellino que sucedió la temporada pasada y renovándose con la habilidad de reinventarse así misma y darnos material para nuevas temporadas. 

Muchas críticas le llovieron a Ashton Kutcher y su personaje Walden el año pasado, que si no era gracioso, que si era un imbécil, que si no era un asshole como Charlie, que si no tenía química con Jon Cryer, que si sólo vivían del recuerdo de Sheen y una serie de críticas (algunas validas otras con el hígado y por tanto desechables). 

Y era bastante esperable. Tener una serie durante 9 años con un personaje y cambiarlo de la noche a la mañana, en medio de un escandalo que incluye dimes, diretes y golpes bajos nunca es fácil. Imagino Chuck Lorre, Warner y CBS sabían lo que les esperaba. Pero más allá de dejarse asustar por eso y cancelar la serie, decidieron lo más lógico y conveniente: darle tiempo. 

El sitcom tiene una bendición en su diseño y en la forma que se trabaja en Estados Unidos: al estar espaciada su producción durante 8 meses y tener siempre la oportunidad de continuarla (porque incluso los finales nunca son cerrados), se tiene la oportunidad de que la serie madure, los actores vayan bordando sus personajes, las situaciones se vayan estableciendo, las dinámicas maduren, se transformen y vayan estableciendo líneas argumentativas y creativas sólidas que permitan conquistar al tiempo. 

Lo que cualquier sitcom con una premisa inteligente y un equipo técnico impecable es tiempo. Two and a Half Men en su revamp lo necesitaba. 

Nadie más allá de los críticos habituales y/o fans de la serie se dedicaron a darle seguimiento a la novena temporada después de pasada la nota. Y por ello nadie comentó algo que fue muy notorio: la serie fue tomando nueva consistencia. El personaje de Walden fue tomando su propia forma, su dinámica con el resto de los personajes, fueron estableciendo su propio universo de nuevos personajes a la vez que se permitió el regreso de personajes del pasado en ocasiones especiales. 

Más allá de que Kathy Bates fuera el fantasma de Charlie Harper: Walden superó su divorcio, se enamoró de una mujer británica, estuvo a nada de hacer una familia e inició una nueva compañia con quien fuera su ex-socio. Alan por su parte dominó sus técnicas de parásito para posteriormente volverse el mejor amigo de Walden a la vez que ha ido haciendo una relación cada vez más estable con Lindsey. 

Y así llegamos a la décima temporada, donde tenemos eventos relevantes como el rompimiento de Walden con su novia lo cual lo lleva a por primera vez trabajar su necesidad de estar metido en una relación y aprender a estar sólo mientras prueba diferentes mientras que por otro lado Alan finalmente se comprometió con Lindsay venciendo uno de sus más grandes temores. Todo mientras Jake se une al ejercito y vive su primer gran corazón roto en la figura de Missy (una esplendida Miley Cyrus). 

Two and a Half Men no sólo triunfa por su magnífico elenco y producción impecable, además ha triunfado por su manejo cómico e inteligente de muchos de las temáticas de la sociedad actual, la liberación de la sexualidad femenina, las relaciones familiares disfuncionales o la dinámica de las relaciones actuales y su forma de abordar el compromiso entre otros. Y lo sigue haciendo, sólo desde un enfoque diferente: Walden y un Alan más maduro en ciertos aspectos. 

Walden es en muchos sentidos similar a Charlie (facilón para la cama, millonario, entre otras) pero en otras es muy diferente (mucho más amable con Alan y sus amigos, en busca de un nuevo amor para toda su vida). Lo cual le da a ciertos tópicos un cariz muy sabroso y diferente. Ahí ha radicado (amén del carisma de innato de Kutcher) el nuevo éxito de Two and a Half Men. 

Yo le sigo dando mi voto de confianza a la serie, incluso me gusta más antes que ahora (siento muchisíma más empatía por Walden que por Charlie), sus dinámica e historias actuales son muy frescas, bien escritas y en especial completamente divertidas. No se siente como Two and a Half Men durante sus séptima y octava temporada donde las cosas se empezaban a gastar. Aquí todo es fresco y cool. Aquí queda mucho potencial. 

Lo único que haría es tener a Missy de tiempo completo... La escuela de Miley Cyrus en el sitcom es materia que no se puede desperdiciar. Y sus niveles de audiencia (los más altos de la temporada en sus dos apariciones) confirman que la gente la busca (por escandalo o por cariño). 

Y ya si Angus T. Jones sale de la serie por sus locas declaraciones religioso-radicales. Missy sería perfecta para completar el 'half' de la serie. 

Y en la próxima madeja: Review de Cuando Toca La Campana 2, que se acaba!.

La Industria Cinematográfica Nacional

La Madeja del Gato (cinematográfica)
Madeja #197
Por Christopher Vergara

Durante varios años los realizadores de cine en México (en especial actores, productores y directores con estilos y ideas afines) han ido construyendo un discurso para justificar el lamentable estado que guarda la otrora fulgurante industria cinematográfica nacional. Los ejes del discurso son todo un lavado de culpas, desde el antiguo régimen príista que por un lado promovió una cultura de cine chatarra y por otro lado abrió los mercados a través del Tratado de Libre Comercio hasta culpar a la industria cinematográfica estadounidense que 'monopoliza y acapara' el tiempo de las pantallas e impide que los mexicanos 'vean su cine y lo vivan tal y como lo hicieron durante muchos años'.

Este bonito discurso (que tiene puntos de verdad aunque no dan como para justificarlo) ha sido utilizado para lucrar políticamente con el, envolverse en la bandera nacional y aventarse sobre las cenizas de la vieja COTSA pero carece de muchos elementos de auto-crítica, falta a la verdad y busca sólo perpetuar un modelo que es muy cómodo para un círculo creativo cerrado que se niega a aceptar rampantes realidades. 

Ahora este grupo de realizadores buscan introducir cambios en la ley que les permitan mantener vicios de su modelo de industria nacional sin que esto signifique una transformación real en su manera de hacer cine: pretenden aumentar la cuota de pantallas para cine mexicano elevándola a un 20%, forzar a los exhibidores a mantener esos estrenos durante al menos tres semanas en cartelera así como aumentar los porcentajes de ingresos fiscales que se canalizan por vía de los tres fondos federales de promoción al cine (Foprocine, Eficine y Fidecine) de 500 hasta 650 millones de pesos. 

¿Cuál es el bendito problema de la industria nacional que esta gente se niega a aceptar y busca remediar mediante concesiones a su modelo de negocios?. QUE NO EXISTE UNA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA NACIONAL.

Esta gente esta buscando artilugios legales para obtener más recursos y mayores ventanas de exhibición en base a una industria cinematográfica nacional que sólo genera películas que nadie, o muy poca gente quiere ver de manera consistente. 

No podemos seguir pensando en una industria cinematográfica que sea tan débil que necesite de continuo patrocinios cuando produce películas de gustos tan refinados que terminan no siendo del gusto de la mayoría del público.

¿Qué la gente sólo quiere ver películas comerciales y no presta atención a sendos ejercicios intelectuales/artísticos/estéticos/whatever? Ni modo. Así funcionan las cosas carajo. Para el bruto de la población el cine es principalmente un medio de entretenimiento, en mucha menor medida es un vehículo de conciencia social o de gusto estético, y el porcentaje de gente que mayoritariamente busca este tipo de cine es mínimo. 

Y contra eso no puedes ir. Al menos no como industria cinematográfica pues necesariamente pasa por transformar modelos educativos y de construcción de tejido social. Es lo mismo que sucede con los libros. ¿Cómo carajos quieres que el bruto de tus asistentes al cine sean ávidos fanáticos del cine de arte y de la literatura rusa si tu sistema educativo es una fregada?. 

Y más aún, aún si realmente tuviéramos un sistema educativo de primer nivel no podemos esperar que todos sean ávidos fanáticos del cine de arte y de la literatura rusa. Por tendencia la mayor parte de la gente va a querer ver cine de entretenimiento, va a querer divertirse y olvidarse de su vida un rato. 

En tanto la industria cinematográfica nacional no supere ese paradigma jamás podremos abandonar estos discursos justificatorios. Si queremos tener una industria sana que sea autosuficiente y viable necesitamos producir títulos que sean atractivos para la mayoría de la gente. Así, con una industria autosustentable saldrá el dinero para producir los títulos de arte que mucha menos gente verá y disfrutará. Es una formula de ganar-ganar. Así funciona la industria de Hollywood. 

Seamos honestos, ¿alguna vez hemos revisados los números de asistentes del cine americano considerado de arte en México?. ¿Alguna vez hemos revisado los números de asistentes de El Artista, The Help, The Hurt Locker o El Discurso del Rey?. Sus números de asistencia son relativamente bajos, en proporciones similares a los de cualquier cinta mexicana promedio. ¿Porqué? Porque su mercado de audiencia es mucho más reducido. 

¿Qué títulos se llevan las carretadas de billetes? Los blockbusters, mismos títulos comerciales que atraen millones de dólares y alimentan una industria que posteriormente produce las películas de arriba. Spider-Man, Batman, y Harry Potter son los responsables de los títulos de allá arriba.

Y allá nadie se envuelve en la bandera de las barras y las estrellas y se quiere aventar en las cenizas del viejo teatro Kodak. ¿Porqué? Porque tienen la conciencia de que el mercado de cine independiente es reducido y es vital para los premios y demás, y es medianamente redituable pero no es la gallina de los huevos de oro que los va a mantener por siempre.

¿Qué es una discurso mercantilista y comercialoide? Sin duda, pero no existe otra manera si queremos dejar de tratar a la industria nacional como un niño del Teletón al que le tenemos que soltar millones de pesos cada año. 

El otro gran problema es que esta gente no sólo quiere hacer filmes de un gusto estético o social que es poco atractivo en pantalla: el problema es que ni siquiera sabe venderlo ni cobrarlo. 

¿Han visto ustedes las campañas de marketing de cualquiera de los filmes que estuvieron nominados al Ariel en los últimos cinco años? Ni siquiera existen o si las hay son deplorables y mediocres. Esta gente no sabe vender sus productos, no sabe atraer al público, piensan que con poner su bonito nombre, un título 'ingenioso' o alguna frase pegadora van a atraer hordas de gente al cine. 

Y tampoco saben cobrar. Esta gente quiere recuperar el bruto de su inversión meramente de las pantallas de cine. En cualquier industria sana el ingreso por cines no es más allá del 35 a 40% de los gastos de una película, el resto se compensa con ingresos de ventas en formatos domésticos y de descarga digital y en una muy jugosa (y constante parte) en ingresos por derechos de transmisión televisiva. 

Pero esta gente es cobarde y en lugar de irse a pelear y ponerse a los madrazos con Televisa y TV Azteca quienes lucran con su trabajo, prefieren colgarse del discurso fácil del 'duopolio televisivo', la mafia que controla la cultura y sabrá la madre de Jesús que pretexto para ni recibir un centavo ni hacer nada. 

En tanto esta gente no se de cuenta de que tienen que hacer películas que vendan, un modelo de negocios completo que les de viabilidad y una consistencia y solidez que sólo brinda un sistema de estudios, nos podremos pasar años y felices días debatiendo sobre porque la última maravilla que premió el Ariel no es vista por más que diez personas. 

Y ahora lo quieren arreglar con leyes e imposiciones a los perversos exhibidores que sólo quieren lucrar con sus pantallas y sus palomitas. 

Pues eso, carajo!, son SUS pantallas y SUS palomitas. No estamos hablando de un servicio público concesionado donde se tiene que tener ciertas contraprestaciones hacia el Estado pues se esta dando un servicio que el debería dar. Estamos hablando de la libertad mercantil que nace de que una persona junta su dinerito y decide montar una cadena de cines. 

¿Vamos a condenar a 2 de cada 10 salas a exhibir una película que a duras penas va a vender dos boletos por función si bien le va?, ¿vamos a condenar a las exhibidoras a mantener durante tres semanas esas salas vacías con inversión muerta?. Estamos provocando el efecto contrario, lo único que sucederá es que sólo las grandes cadenas podrán soportarlo y las pequeñas exhibidoras regionales en todo el país se irán más a la quiebra. 

Imaginemos un pobre cinema pulgoso en algún municipio perdido de Tlaxcala, que apenas cuenta con 4 salas. ¿Lo vamos a obligar que en una de sus salas mantenga tres semanas una película de la que apenas vende un boleto cada función en promedio?. Eso va en contra de el discurso contra las 'mafías y los monopolios' que tanto presumimos arriba. 

El otro punto es que esta bien dar incentivos fiscales a los productores. Pero se debe cuidar a quien y como se les da. Esta gente sólo esta pidiendo más recursos por los tres fondos sin que les pongan un control de calidad. Porque según esto cada fondo tiene una función diferente (uno apoya cine de arte, los otros dos el comercial). Pero el IMCINE se conforma con ver bonito el guión y soltar la lana. 

Se deben tener mayores controles sobre a quien se le suelta el dinero. Tanto en que su proyecto sea financieramente viable (que la gente le atraiga verlo) como que tenga un plan de negocios estable que garantice su correcta difusión. No soltar por soltar. 

¿Qué porqué comparo tanto nuestra industria cinematográfica con la estadounidense y no con la latinoamericana o la europea? Porque contra ella compite carajo!. Porque estamos al lado de ella. Renegando de sus bondades podremos justificar nuestros vicios y defectos pero no saldremos del hoyo en el que estamos. 

Es muy simple, con leyes y argucias legales no puedes obligar a la gente a ver lo que no quiere ver. Si, el cine es un arte, pero también es un negocio. Se debe tener esa maldita, jodida, capitalista y burguesa visión si queremos dejar de seguir regodeandonos en el discurso fácil, baratón y patriotero de autocompasión. 

Ese discurso es un mal social que permea en todos lados  de nuestra sociedad, sin duda, pero ya basta de hacer negocios al amparo del mismo.  Seamos serios, señores.

Y en la próxima madeja: Review de Two and a Half Men temporada 10.